Posted by Michela Cantello | 4th July 2017

Is this art or can I throw it away?

Many of you may remember what happened in 2015 at the Museion in Bolzano when the artwork of the artists Goldschmied & Chiari was mistaken for the aftermath of a party and then thrown away by the museum cleaners. The same fate has befallen to austrian sculptor Martin Kippenberger’s installation shown in 2011 at the Art Museum of Dortmund, part of his artwork as well ended up in the trash bin. Last year at the Moma of San Francisco a young joker put on the parquet floor of the museum a pair of glasses which immediately caught the attention of the visitors convinced to be in front of such an enigmatic artwork.

Goldschmied & Chiari, Where Shall We Go Dancing Tonight?, 2015

These episodes are after all hilarious and show in a naïvely way how unstable is the border which separates art from no-art and how confusing may be to deal with contemporary art production. That is approximately the production since the sixties up to the present day. To to be more specific, it all started with the Fountain (urinal) of Marcel Duchamp, Andy Warhol’s soup cans and the artist’s shit of Piero Manzoni (worthy heirs are today the huge shit installations of Paul McCarthy).

Many people complain about the incomprehensibility of contemporary art which seems to have lost its own purpose. In the past, art was essentially imitation of reality and it was consequently easy to understand. In more recent times art took a different path by abandoning reproduction of reality to devote itself to the representation of ideas and concepts. Conceptualism was born. In this new contest art tries constantly to redefine itself, to question its meaning in the attempt to re-establish its boundaries and to reinvent our knowledge and our perception of reality.

Paul McCarthy, Complex pile, 2013

The rule is that there are no rules. It means practically that artists are allowed to do whatever they want. How not remember the irreverent Maurizio Cattelan, it is not clear if he is more known for his artworks such as the embalmed horses and the giant middle finger statue in front of the Milan Stock Exchange, or for his bizarre expedients. During the Venice Biennale in 1993 he rented his own exposition space to an advertising agency, while in 1999 he realised a living art work entitled A perfect day by literally sticking with adhesive tape his gallerist to the wall. At the end the man was sent to the hospital.

Desecration, nonsense and provocation are some of the categories of contemporary art, an other basic element, or at least, a common feature among the contributions is a certain aesthetics of ugliness, a fascination with macabre and death. The british artist Damien Hirst has reached international fame thanks to a series of artworks made of tanks containing entire or sectioned dead animals: cows, sheeps and sharks, previously embalmed and immersed in formaldehyde solution. His famous 13-foot long shark of 1991, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, made Hirst chief of the group Young British Artists and one of the world’s highest paid artists.

Maurizio Cattelan, L.O.V.E., 2010

A kind of taste for the horrid and a gory trend are spread among the artists. Marc Quinn, for instance, created a series of flesh paintings and self portraits statues made of his frozen blood. However Quinn is not the only one, a vast array of artists used body fluids to create artworks or to make them absolute protagonist during exhibitions. It happened in 2000 in Italy at the International Festival of Theatre in the Square during the performing of a choreography created by Tino Sehgal, almost at the end of the exhibition a naked dancer pees in the middle of the street in front of the public. The work (untitled) (2000) has been renamed by the chronicles “a man pees in his mouth in the square”.

On one hand these artworks show the most trivial aspects of reality, on the other one, the development and the use of technology has opened new scenarios, not less dreadful if we think about the extreme performances of Stelarc. His masochistic exhibitions (he performed naked suspended in mid-air with hooks through the skin) are nothing compared to the use of robotics and bio-technology to experiment the enhancement of his body. With one of his controversial project The ear on arm, the australian artist had a human ear grown on his arm, the ear was also connected to the internet via bluetooth.

Art has lost its attitude to represent beauty and kicked off a blaze of horrors and disturbing images, but there is also a current which reinterprets and pays tribute to objects of every day use. Jeff Koons showed vitrine-encased vacuum cleaners while the mexican artist Gabriel Orozco exhibited an empty shoes box at the Venice Biennale in 1993. In this case as well, the point is the same: what has happened to artwork?

Sterlac, Year on arm, 2015

Art seems to be moving towards extreme sensationalism, provocation as an end in itself or towards a complete absence, an empty conceptualism which makes art discourse prevail over representation, artworks are therefore not easy to understand without appropriate explanations. More than a few of us feel a cultural impoverishment, a lack of sense and of an artistic research able to propose deep contents. The problem is that sometimes both artists and insiders do not care about or are aware of the meaning, according to them art and artists are not accountable to anybody. Meaning has no longer reason to exist because it is up to the viewers to give sense and to interpret what they see.

Some speak of “fraud” or “scam” organised by an elite circle of gallery owners, art dealers and collectors in order to gain economic benefits. The accused number 1 is the art market managed by a cultural and economic lobby who has imposed its own (questionable) aesthetic canon. Thus, artworks become a status symbol for billionaires who meet in “good” parlours. This is certainly not new.

Jeff Koons, New Hoover Convertibles, Green, Red, Brown, New Shelton Wet/Dry 10 Gallon Displaced Doubledecker, 1981-7

A more worrying aspect is the homologation of artistic production and collections of the major international art institutions. This is a result of the prevailing tide of cultural globalisation that leaves no room for an healthy comparison and a diversified cultural offer. Among the critics there are those who say that art has closed its cycle and that is necessary to start again from scratch, they advocate a return to a real critical debate to find new artistic and varied proposals capable of getting involved in a social dimension.

However, the high perishability of the materials used in the creation of these artworks suggests that it will be very difficult for contemporary artists to pass the test of time over decades. Who among them will conquer a place of honor in the history and who will be forgotten forever and will end up (seriously) in the trash bin?

È arte o si può buttar via?

Moma San Francisco, 2016

Molti ricorderanno quanto avvenuto nel 2015 al Museion di Bolzano, quando l’opera delle artiste Goldschmied & Chiari è stata scambiata per i resti di una festa e per questo gettata nella spazzatura dal personale del museo. Stessa sorte è toccata nel 2011 all’installazione dello scultore austriaco Martin Kippenberger esposta al Museo d’Arte di Dortmund, anche in questo caso parte dell’opera è finita nel cesto per l’immondizia. Lo scorso anno, invece, al Moma di San Francisco un giovane burlone ha ben pensato di posare sul parquet del museo un paio di occhiali da vista, subito diventati oggetto di attenzione da parte dei visitatori convinti di trovarsi davanti a chissà quale enigmatica opera d’arte.

Questi episodi tutto sommato esilaranti rivelano candidamente quanto sia labile il confine che separa l’arte dalla non-arte e quanto possa essere disorientante rapportarsi alla produzione artistica della nostra contemporaneità, cioè quella produzione che va approssimativamente dagli anni Sessanta ai nostri giorni. Per intenderci, si potrebbe partire dalla Fontana (orinatoio) di Marcel Duchamp, dai barattoli di zuppa di Andy Warhol, o ancora, dalla merda d’artista di Piero Manzoni (di cui oggi sono degne eredi le mega-merde di Paul McCarthy).

Martin Kippenberger, Wenn’s anfängt durch die Decke zu tropfen, 2011

Da più parti si lamenta l’incomprensibilità dell’arte contemporanea che sembra aver perso la propria ragion d’essere. In passato l’arte è stata essenzialmente imitazione della realtà e per questo risultava immediatamente comprensibile. In tempi più recenti la ricerca artistica ha però preso una strada diversa abbandonando la riproduzione della realtà per dedicarsi alla rappresentazione di idee e di concetti: nasceva il concettualismo. Nel nuovo contesto l’arte cerca quindi di ridefinire costantemente se stessa, di interrogarsi sulla sua essenza, nel tentativo di ristabilire i suoi limiti per reinventare la nostra conoscenza e la nostra percezione della realtà.

La regola è che non ci sono regole. Tradotto nella pratica significa che l’artista può fare quello che vuole. Come non ricordare l’irriverente Maurizio Cattelan che non si sa se sia più noto per le sue opere come i cavalli imbalsamati e la scultura del “dito medio” in piazza Affari a Milano, o per le sue trovate singolari come quando decise, in occasione della Biennale di Venezia del 1993, di affittare il suo spazio espositivo ad un’agenzia pubblicitaria, o quando nel 1999 realizzò l’opera vivente A perfect day “incollando” letteralmente al muro con del nastro adesivo il suo gallerista. L’uomo finirà al pronto soccorso.

Dissacrazione, nonsense, e provocazione sono alcune delle categorie dell’arte contemporanea, un’altra sua componente fondamentale, o per lo meno, un suo tratto distintivo che si riscontra in molti contributi, è una certa estetica del brutto incentrata su una fascinazione per il macabro e la morte. Il britannico Damien Hirst raggiunge infatti la consacrazione internazionale con una serie di opere che consistono in teche contenenti animali morti, interi o sezionati: mucche, pecore e squali, imbalsamati e immersi in formateilde. Il celebre squalo di oltre quattro metri del 1991, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, farà di Hirst il capofila del gruppo Young British Artists e uno degli artisti più pagati al mondo.

Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991

Una sorta di culto dell’orrido e un gusto sanguinolento si ritrovano anche nella serie di dipinti “di carne” o di sculture organiche di Marc Quinn che realizza degli autoritratti con il proprio sangue congelato. Ma Quinn non è il solo, una fitta schiera di artisti ha fatto ricorso alle secrezioni del corpo per creare le proprie opere o farle addirittura diventare protagoniste assolute, come è avvenuto nel 2000 durante la messa in scena di una coreografia creata da Tino Sehgal per il Festival Internazionale del Teatro in Piazza di Santarcangelo. Sul finire dell’esibizione un danzatore nudo, in mezzo alla strada, fa pipì di fronte al pubblico. L’opera (untitled) (2000) verrà ribattezzata dalla cronaca come “un uomo si piscia in bocca in piazza”.

Per un verso, queste opere mostrano gli aspetti più triviali della realtà, per l’altro, lo sviluppo e l’impiego della tecnologia hanno aperto nuovi scenari, non meno agghiaccianti almeno se si pensa alle performance estreme di Stelarc. Le sue esibizioni masochistiche (si esibiva nudo sospeso in aria con dei ganci conficcati nella pelle) sembrano roba da poco se paragonate all’uso della robotica e della biotecnologia per sperimentare l’espandibilità del proprio corpo. Con uno dei tanti e controversi progetti, The ear on arm, l’artista australiano arriva a farsi impiantare un orecchio nel braccio, con tanto di sistema di connessione a internet via bluetooth.

Se l’arte ha perso la concezione di dover rappresentare il bello, dando il via libera a un tripudio di orrori e di raffigurazioni disturbate, d’altra parte non manca un filone che reinterpreta e rende omaggio agli oggetti di uso quotidiano come fa Jeff Koons con i suoi aspirapolvere, o il messicano Gabriel Orozco con la scatola di scarpe vuota presentata alla Biennale di Venezia del 1993. Eppure anche in questo caso il discorso non cambia: cosa è accaduto all’opera d’arte?

Marc Quinn, Flesh Painting (On Desire), 2013

L’arte sembra tendere ora verso l’estrema spettacolarizzazione, la provocazione fine a se stessa, ora verso un’assenza totale, un vuoto concettualismo che si traduce in un prevalere del discorso sull’arte sulla rappresentazione, cosicché le opere risultano spesso di non facile comprensione senza una debita spiegazione. Molti avvertono un impoverimento culturale, una mancanza di senso e di una ricerca artistica in grado di proporre contenuti profondi. Il problema è che il significato talvolta sembra sfuggire agli stessi artisti e agli addetti ai lavori, a detta dei quali l’arte e l’artista non devono rendere conto a nessuno. Il significato sembra non aver ragion d’esistere perché è compito dello spettatore attribuire un senso e una propria interpretazione a ciò che vede.

C’è chi parla di “frode“ o “ truffa“, un imbroglio orchestrato da un club esclusivo di galleristi, mercanti e collezionisti per ricavarne vantaggi economici. L’imputato numero 1 è dunque il mercato dell’arte gestito da una lobby culturale ed economica che ha imposto un proprio (discutibilissimo) canone estetico, l’opera d’arte diventa così uno status symbol per un gruppo di miliardari che si riuniscono nei salotti buoni. Fin qui niente di troppo nuovo.

Un aspetto forse più preoccupante è l’omologazione della produzione contemporanea e delle rispettive collezioni delle più prestigiose istituzioni internazionali, risultato di un’imperante globalizzazione culturale che sembra non lasciare più spazio a un sano confronto e a un’offerta culturale diversificata. Tra i critici c’è chi sostiene che l’arte contemporanea abbia concluso un ciclo e che sia necessario ricominciare da capo, auspicando un ritorno a un vero dibattito critico e a un fiorire di proposte artistiche diversificate in grado di reinserirsi in una dimensione sociale.

Se si considera, infine, la deperibilità dei materiali impiegati per la realizzazione delle opere, c’è da supporre che l’esame del tempo cui saranno sottoposti gli artisti sarà particolarmente arduo. Chi tra questi sarà degno di avere un posto nella storia e chi verrà dimenticato per sempre e finirà sul serio nel cesto della spazzatura?


Gabriel Orozco, Empty Shoe Box, 1993

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